水墨画的艺术价值
刘尚勇先生近期在《书画市场大讲堂》做了一期关于书画投资指南的节目，从艺术品投资板块的分布讲到书画板块的市场热度，尤其对中国水墨画的历史及发展做了较为全面的梳理，对于我们了解中国最为传统的水墨画大有裨益。
以下内容根据刘尚勇先生在节目中的部分录音整理。
首先，“水墨画”是什么？从画面表现上看，就是我们通常所讲的纯用“水”和“墨”的极简单元素来绘制的画，画面无设色或少有设色。以水墨为核心要素的绘画古人称做“水墨画”，近代人们为了区别西方绘画，便将“水墨画”改称“中国画”，也叫“国画”（当时也称传统中国武术为囯术），而水墨画如今就成为了“纯用水、墨来呈现画面”的一种绘画形式的别称了。由于其悠久的传统与独特的风韵使其足以在世界艺林中独树一帜。八大山人《花鸟册页》（选2）中国画以墨线为主要造型语言起源很早，早在石器时代，原始先民就已经开始在陶器上绘画了，虽然略有幼稚之感，但可以说那是最早的中国画；到了周朝，我国就有了人物画像；春秋时期更出现了大型壁画；隋唐画坛更是名家辈出，著名人物画代表画家阎立本，擅长用墨线表现人物、被称为“画圣”的吴道子更是那个时代的传奇。诗人王维不仅是个“诗佛”，也是位大画家，他在《山水诀》中提出了“水墨最为上”的绘画思想，意思是在绘画创作上水和墨的表现运用是构成中国画的价值核心。这一观念彻底打下了“水墨画”千百年的根基，更开辟了中国绘画的后续局面，后人纷纷顶礼尊循。王维到目前依然被称为“水墨画”的开派祖师。吴道子《八十七神仙卷》（局部）特别是所谓文人画家们主导了画坛话语权后更加神话着水墨的玄妙，基本舍弃色彩的表达，追求一种至高纯粹的精神境界，洗去铅华的灵*状态。尤其到了宋元两朝，中国水墨画更可谓达到了一个巅峰！画家们开始加强对于水和墨的表达，让绘画的表现语言从此也更加丰富，墨的运用得到了释放，不仅众多笔墨技法、皴法得到了开创，更充分释放了中国水墨画的表现力，让中国绘画体系到达了一个巅峰性的成熟阶段。宋代著名画家如范宽、苏轼等，都是在中国极具影响力的画家，他们的作品基本都是水墨画，如范宽的《溪山行旅图》，年拍出4.亿元的苏轼的《木石图》等等。范宽《溪山行旅图》
苏轼《木石图》（局部）众所周知的著名画家张择端的《清明上河图》，是中国经典传世名作，它就是一幅水墨画巨制，作品纯用墨线与笔触构成画面，成为千古传承的杰作。张择端《清明上河图》（局部）同样是中国十大传世名作、出自元朝著名画家*公望之手的《富春山居图》，也是一幅经典的水墨山水画巨制。可见，宋元时期的画家们在水、墨的高尚世界里，寻找着天人合一的最为简捷的艺术精神表达，把中国绘画艺术中灵*意境的崇高之美，以及水墨的表现之美发挥到了极致。*公望《富春山居图》（局部）为了追求画面水与墨至高至纯的表现，宋代的很多画家几乎在画上都不题字，题字也是“穷款”。所谓“穷款”，就是在画面上只写几个字，而且写得很小甚至藏在画面里，不仔细看基本都看不出来。如范宽的《溪山行旅图》，画中只写了个名字并藏在一个极为隐秘的角落，几乎看不出来。我们看到由于造纸技术的不断完善，唐、宋、元书法绘画皆有高超的水墨佳作。在宣纸上作画更是让宋元的水墨画把“水”与“墨”的运用发挥到了一个极致的高度，后人几乎难以逾越。随着时间的发展，后辈画家们开始察觉到一个问题，无论再在水、墨上做何种创造，也都难以超越宋元的画家们。水墨画虽然看上去基本上是单一色素，但实际上墨也是有多种颜色的。唐代张彦远在《历代名画记》中提出“运墨而五色具”，意思是“墨分五色”，这五色便是“干、湿、浓、淡、焦（也称为黑）”。古人把墨色概括成了这五种，实际上墨色变化不止这5种。一幅出色的水墨画，能够以墨和白这两种最基本、最重要的色彩为主要载体，通过水和墨的不同量融合于宣纸上，然后晕染渗透，产生黑、白、灰丰富的层次，表现色彩无穷的变化，让画面在黑白之间，达到浑然一体的效果，尽显天地万物之神韵的高妙境界。这是水墨画创作很难的地方，也是其最为精彩的地方。“水”与“墨”只有两种语素，如果仅在这两元素中寻求创新，难度很大且很有局限，所以后人也大多开始在色彩上做文章。如此一来，对于水、墨的深入研究也变得令人望而却步。宋元的水墨画就像一座大山一样挡在面前，难以突破。因此，宋元之后，色彩画更为盛行，水、墨创新步履维艰。到了明清时代，画家们在画中引入丰富的色彩表现，甚至比唐代时期的绘画还要绚丽多彩，并逐渐开始受到西方绘画的影响。尤其到了近现代，中西合璧更成为一种风潮。徐悲鸿、张大千、刘海粟、林风眠、李可染、吴冠中等都是中西合璧的绘画集大成者，他们的作品取得了很大的成就，而他们的绘画成就也多基于设色画的成功表现。彩墨画与水墨画齐头并进。*宾虹《山水》
李可染《漓江胜景》
张大千《吹箫仕女》
自宋元以后，在水墨画的创作实践上，有独创性的画家屈指可数，因而也更显珍贵。有些在水墨画创作表现上具有成就的艺术家的作品，因其独特性强、艺术价值高而更容易被人记住，更能成为千古名画传世。明清时期，徐渭、八大山人、石涛、四王等人的水墨实践更加完善着这个艺术体系。绘画从对自然物的纠缠与赞美到对人文物（画事本身）的自美张扬（写意）是绘画的自觉，是人文的自醒。水墨是画者超然物外的心迹留痕。清代张庚《浦山论画》中说：“气韵有发于墨者，有发于笔者，有发于意者，有发于无意者。发于无意者为上，发于意者次之，发于笔者又次之，发于墨者下矣。”“何谓发于意者？走笔运墨，我欲如是而得如是，若疏密、多寡、浓淡、干湿，各得其当是也。何谓发于无意者？当其凝神注想，流盼运腕，初不意如是而忽然如是是也。谓之为足则实未足，谓之未足则又无可增加，独得于笔情墨趣之外，盖天机之勃露也。”水墨画的高妙之处在于天人合一。这也成为了我们民族的审美哲学。说到近现代水墨高手我们很容易想到齐白石，第一时间就会想到他的“虾”，而虾就是水墨画，齐白石没画过“彩虾”；徐悲鸿的“马”，也大多以水墨来表现；还有*胄的“驴”，也是水墨画；*宾虹的山水，更是在水墨画的基础上做出了非常大的突破，把积墨法带上了一个高度。齐白石《虾》徐悲鸿《奔马》
在今天的艺术品拍卖市场上，*宾虹的水墨画特别受欢迎，一幅精品少说得是千万元起拍。而齐白石的“虾”、*胄的“驴”、徐悲鸿的“马”等更是家喻户晓的水墨经典，更是拍场上的宠儿。以上，我们简要回顾了水墨画发展的过程：先是简陋的无奈，再是自觉的应用，终是推向纯粹的高端，水墨画成为了中华文化重要的价值基石。—END—ABOUTUS
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